SALÓN NACIONAL DE ARTES VISUALES 2025: Banalidad y fragmentación
Salón Nacional de Artes Visuales 2025. 50 piezas de 45 autores seleccionados en pintura al óleo, acrílico, técnica mixta, acuarela, laca, grabado, dibujo, fibras, cerámica, relieve escultórico, esgrafiado, latexgrafía, ensamblaje, video e instalaciones. Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica. Del 22 de mayo al 2 de setiembre, abiertas de martes a domingo.
Cuando se abraza lo mundano, se sobredimensiona la experiencia empírica del productor visual, se accede fragmentariamente a la historia que se desconoce y se desdeña la técnica que no se domina hemos completado el ciclo perverso de la estética de la banalidad promovida por el mercado y los agentes culturales oficiales o no.
El objeto o la solución más ordinaria “que menos puede gustar” parafraseando a Duchamp, es elegida y hasta premiada como ocurre en la nueva edición del Salón Nacional de Artes Visuales cuyo jurado honra con raras excepciones a sus predecesores con la misma indulgencia anodina de que “todo se vale” y por lo tanto “todo es arte”.
En esta oportunidad analizamos la estética de la banalidad y la fragmentación que dominan las obras de la mayoría de los 45 autores seleccionados para exhibir en el Museo de Arte Costarricense como parte del evento bienal citado.
Debemos al arte pop, particularmente estadounidense, que se entronizara la banalidad como estética en las expresiones contemporáneas elevando lo trivial y lo mundano a la categoría de arte con sus prácticas conceptuales caracterizadas por la repetición, la sociedad de consumo como motivo, la superficialidad y la indiferencia. Esto ha sido decisivo en la afirmación de un consenso alrededor de la idea de que “todo se vale en arte” y si todo se vale ¿podemos atrevernos a sostener que todo lo que cobija esa frase es arte?
Es claro que no importa el formato en que una persona
comunica su mensaje, sino la intención, la elaboración y el impacto en el
espectador. Criticar lo que el jurado en este nuevo salón califica como arte
contemporáneo, no es estar en contra de las manifestaciones artísticas no
tradicionales. Pero, callar equivale a renunciar al ejercicio de la crítica, al
derecho de los espectadores a hacer preguntas válidas y recibir respuestas
transparentes sobre lo que se presenta como arte porque, ciertamente, no todo
se vale en arte.
FATUIDAD SIN PLURALIDAD
Un aspecto que se demuestra consistentemente en las tres
últimas ediciones del Salón Nacional de Artes Visuales (SNAV) es que no se deben
menospreciar las oportunidades de mejora continua en este tipo de convocatorias
artísticas.
Si lo que se pretende es la participación tanto de
artistas veteranos como nóveles, y auténtica representación de la diversidad de
movimientos y tendencias en la escena contemporánea, la convocatoria debe
cumplir estrictamente con la promesa de “promover la pluralidad de visiones”1,
pero desde el 2019 la composición de los jurados, la normativa legal, y la
organización de las bases del certamen, han coadyuvado a promover una falsa
expectativa sobre lo que este evento debe ser.
Como punto de partida, hay tres problemas de fondo con
la filosofía y ejecución de este tipo de convocatorias que he venido señalando
desde el 2019: a)Es un evento organizado principalmente por curadores; b) No ha
mediado un análisis crítico y discusión de fondo sobre su origen y propósito; y
c) La restricción de espacios oficiales de exhibición y promoción
sobredimensiona la capacidad de este evento bienal2 para que cumpla óptimamente
con “la valorización y visibilización de las práctica artísticas actuales”
bajo una “visión global e inclusiva de la producción nacional”3.
En esta como en anteriores ediciones se repite el
principio de que cada jurado-curador filtra conforme a su experiencia,
conocimiento y preferencias subjetivas lo que quiere mostrar como fruto de su
esfuerzo examinador.
Como resultado al servir como examinadores en un
certamen como el presente, conforme más conocen de conceptos, historia y
prácticas artísticas posmodernas y/o contemporáneas más probable es que sufran
de “parálisis paradigmática”. Peligrosamente, como he reiterado en otros
espacios “su opinión experta constituye criterio profesional válido”.4
Por ello, aunque suene redundante debo recordar que,
para ejercer un criterio independiente y profesional, conforme más conocemos,
más necesitamos intencionalmente “desaprender” para evitar los juicios y
prejuicios – efecto derivado de ser parte de una cámara tóxica- que impiden y/o
restringen la libre experimentación del producto artístico sin metodologías
críticas, que para los efectos es el caso por tratarse de un jurado curatorial
y no crítico. Eso es lo que, específicamente, distingue al curador del crítico
de arte como ya hemos explicado ampliamente distintos espacios mediales.5
El jurado del SNAV 2025 estuvo conformado por un grupo
bastante homogéneo: Sofía Villena Araya, Luis Fernando Quirós Valverde y
Esteban Calvo Campos. La primera es curadora jefe del Museo de Arte y Diseño
Contemporáneo (MADC). Villena Araya ha señalado que su prioridad es
“seguir impulsando la experimentación contemporánea ".6
Por su parte, Quirós Valverde quien es diseñador y
curador independiente trabajó en el MADC de 1994 al 2001 y con regularidad ha
organizado y exhibido en dicho museo, entre otras instituciones oficiales.
Finalmente, Calvo Campos es historiador y curador de
arte, actual director del MAC, quien ha coincidido con los otros jurados como
director del MADC (2009-2013) y en proyectos en ARS/Teorética.
La integración para la presente edición no marca mayor
diferencia con respecto a jurados precedentes, pero si tiende a ser más
homogéneo en términos formativos y colaborativos curatorialmente hablando. Además,
comparten la inclinación a conceptos curatoriales de moda como el
decolonialismo, la teoría queer, los enfoques de identidad de género, y la
marginalización, entre otros.
No obstante, se evidencia un claro sesgo en los
procesos de selección y valoración del salón a falta de diversidad de criterio
y profesionalización de los jurados, que comulgan en las mismas fuentes
ideológicas y filosóficas, pero que, además, al compartir afinidad en la
afirmación ideológica de una minoría cultural en detrimento de la mayoría imponen,
tácitamente, serios límites a la libertad, al censurar a priori todo lo que
ofenda a unos cuantos y que no calce con sus preferencias. El resultado tal
fatuidad es una selección de obras contemporáneas vacías, anodinas, pero “políticamente
correctas”.
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HOMOGENIZACIÓN
Como he señalado antes, esto se debe en gran parte a
la adopción del “group thinking” o pensamiento grupal homogenizador, “un
fenómeno que ocurre cuando un grupo de individuos llega a un consenso sin un
razonamiento crítico o una evaluación de las consecuencias o alternativas. El
pensamiento grupal se basa en un deseo común de no alterar el equilibrio de un
grupo de personas. Este deseo crea, no
obstante, una dinámica dentro de un jurado, por ejemplo, donde la creatividad,
el criterio propio y la individualidad tienden a ser reprimidas para evitar
conflictos.”7
El pensamiento grupal, si bien promueve la armonía y
la toma de decisiones rápida, conlleva varias consecuencias negativas, como la toma
de decisiones deficiente, la reducción de la creatividad y la sobreestimación
de las capacidades del jurado. También puede resultar en la supresión de
opiniones discrepantes y la falta de una evaluación crítica de los riesgos
potenciales.
Una vez más en esta edición, sin ver las obras
terminadas – aunque algunos artistas tenían obras listas – escogieron 50 producciones
para exhibición presentadas por 45 artistas de un total de 260 propuestas por
212 autores a fines del año pasado durante la convocatoria.
35 de los preseleccionados recibieron medio millón de
colones cada uno para concretar su respectiva propuesta – aun aquellos con obra
terminada – y otorgó un millón de colones a los ganadores seleccionados por el
jurado en tres categorías: bidimensional a Juan Carlos Zúñiga Villalobos;
tridimensional a Victoria Cabeza Green; y otros medios a Priscilla Romero.
Además, concedieron nuevamente este año tres menciones sin valor económico a Néstor
Fajardo López, Ana Katrin Aason Bucher y Wendell Rivera Núñez.
Es importante señalar que estos no son premios de adquisición, el Estado asigna un presupuesto con base en el cual el jurado entrega “becas de producción” y otorga premios con valor económico. Los artistas beneficiados no enriquecen el patrimonio de las colecciones públicas, ya que como me explicó el director del MAC, Esteban Calvo Campos, se “garantiza con esta acción un fomento a la creación y (se) da un espaldarazo a la carrera de los creadores”. Otra forma de ver esto, es que el salón se convierte en un espacio “seguro” donde el artista no asume riesgos importantes ni se enfrenta a una competencia que lo estimule a dar más de sí.
El perdedor indudablemente es
el público que no puede apreciar las obras que financió con sus impuestos y que
eventualmente puede ser vendidas a terceros en otros territorios. En otras palabras, este salón no es una
bienal o un certamen, sino un evento creado por y para los artistas sin otra
pretensión que sustentar económicamente a los seleccionados.
El fallo de tres páginas para justificar una inversión
de casi 21 millones de colones, solo en premios y becas – no incluye los gastos
operativos del montaje, catálogo y salarios del personal a cargo - no fue
publicado en línea para efectos de transparencia por lo que debí solicitarlo
expresamente al director del MAC.
En línea con los fallos precedentes es breve y puntual
redacción recurriendo a términos de moda como que las propuestas acuden a “cuestionar
las hegemonías culturales vallecentradas” y que el salón sirve de
termómetro de la “crisis en que se mueve la cultura y el arte delante de las
presiones hegemónicas de siempre y el mercado global que nos asfixia”.8
Las frases clisé del lenguaje ideológico en boga en la
burocracia artístico-cultural costarricense se nutre de publicaciones que desde
los noventa declaran
el fin de la pintura, la crisis de los museos y el fin del arte que han sido
sustituidos por el "post-arte" que según el crítico Donald
Kuspit es “una suerte de nueva categoría visual que coloca "lo banal
por encima de lo enigmático, lo escatológico por encima de lo sagrado, la
inteligencia por encima de la creatividad".9
Por supuesto, voces como la de
Richard Goldstein, editor en jefe de la revista estadounidense “The Village
Voice”, tratan de tranquilizarnos. Ante la creciente presencia de lo banal
en el arte contemporáneo, afirma que “Cuando los objetos irradian —o
cuando las personas proyectan— banalidad, podemos sentirnos tranquilos. Es una
especie de consuelo sublime el arrullar la desproporción que proporcionan.
Sujeto u objeto, el efecto es diáfano; ofrece la ilusión de transparencia. Pero
también posee una superficie enigmática, una simplicidad voluntaria que genera
la contemplación del vacío.”10
En
su criterio, “los objetos banales son exclusivos de sus dueños. Su poder es
el de un fetiche: un dispositivo cuyo único valor reside en cómo lo usamos para
generar consciencia.”11
Tal
vez por ello, el filósofo y crítico francés, Jean Baudrillard (1929-2007)
bromeó con indiferencia diciendo que “el arte ya no es más que una especie
de metalenguaje de la banalidad”.12
“¡ME
INSULTAN Y ENCIMA QUIEREN QUE ME ENOJE!”
Como
diligentes patrocinadores del dinero ajeno, los miembros del jurado
distinguieron con premios y menciones a seis miembros del selecto grupo de
becarios que fueron preseleccionados con base en la promesa de “obras en
proceso”.
Las
propuestas para ediciones anteriores comparten un mismo patrón en cuanto
parecen ideadas para participar específicamente en el salón, pero además las
ideaciones seleccionadas constituyen la terna de la que redundantemente se seleccionan
consuetudinariamente los premiados para reducir, tal vez, la fatiga mental del
comité evaluador.
Tómese
en cuenta que muchos de los seleccionados – ver las menciones y premios - ya han
participado en salones anteriores y/o han sido tomados en cuenta por los
jurados en curadurías, artículos, exhibiciones y estudios por lo que no hay
realmente sorpresa con el fallo, solo predictibilidad y tal vez cierto
conflicto de interés.
El
sintético fallo elaborado en dos partes o momentos – proceso de selección y
asignación de premios y menciones - afirma banalidades que ofenden la
inteligencia de los espectadores, especializados o no. Por eso, he
venido sosteniendo públicamente que los curadores sin contrapeso de críticos en
el equipo examinador fomentan la estética de la banalidad.
Todo
esto me hubiera molestado profundamente décadas atrás cuando empezaba en el
ejercicio de la crítica, pero ahora tengo más ecuanimidad cuando escribo porque
no permito que me enojen los insultos a la inteligencia y sensibilidad que comunican
los responsables de estos procesos con sus pobres decisiones por falta de mejor
criterio.
DE
MENCIONES Y PREMIOS
La
primera mención este año correspondió al estudiante de arte de la UNA-Heredia, Néstor
Fajardo López por “Un minucioso inventario sobre mí mismo y la inocencia”,
un conjunto de diez piezas que registra distintos momentos de su desarrollo
como persona a partir de un álbum de fotos familiares y porciones del programa
de doce pasos de AA (Alcohólicos anónimos).
Las escenas registradas en las imágenes han sido intervenidas por el
joven autor borrando miradas tratando de deconstruir la memoria. El personaje que emerge en casi todas las
imágenes en pequeño formato es un infante, posando, jugando o interactuando con
adultos.
El
jurado sugiere la existencia de una estructura social a la cual Fajardo acude
para validarse comportándose como un disidente.
Pero la fragmentación y las ideas preconcebidas pueden desorientar, ya
que estamos ante fragmentos que literalmente crean una experiencia visual
alternativa. No hay disidencia, sino
nostalgia. El acto de borrar las miradas es un acto de protección de la intimidad,
y todo el acto evoca más bien afecto como si buscara reconciliación en lugar de
reparación por algún trauma personal.
Es
una obra autorreferencial que deconstruye el pasado reinterpretando narrativas
familiares con el vano objetivo de desafiar nociones tradicionales de
representación y percepción. No hay ambición artística, ni tampoco aporte
técnico, tan solo una exploración personal sin mérito artístico, en un
acercamiento abusado en las muestras de arte contemporáneo.
La
segunda mención fue otorgada a la canadiense Ana Katrin Aason Bucher por “S.N.201124”.
La recordamos por su exposición “Más allá del índigo” en el Museo de
Arte y Diseño Contemporáneo (18 de julio al 23 de noviembre, 2024). Estamos ante una obra de composición
geométrica con cierto efecto cinético por su ilusión de movimiento y
profundidad, realizada con base en una técnica textil de teñido del lienzo o
superficie pictórica.
El jurado justifica la mención por la supuesta evocación simbólica de la sociedad y la cultura mesoamericana que propone la artista. En realidad, estamos ante un diseño desprovisto de atavismo cultural, abierto a cualquier interpretación por antojadiza que parezca.
No obstante, la autora no usa títulos por lo general
en sus obras claramente orgánicas y no pretenciosas artísticamente. Sigue la
tradición abierta por artistas pioneros como Anni Albers, Bridget Riley, Jesús
Soto, Carlos Cruz-Diez y Yaacov Agam cuyos descubrimientos se han transformado
en décadas recientes en una industria.
"El cocodrilo", 2024-25. Técnica mixta/tela. Wendell RIVERA NÚÑEZ. La
tercera mención, distinguió al autor, mayormente autodidacta, Wendell Rivera
Núñez por su obra “El cocodrilo”. Se trata de una obra figurativa
en técnica mixta sobre tela que cultiva la apariencia de lo prehistórico
mediante formas y colores pétreos reminiscentes del informalismo. La terrosidad
en su composición es lograda mediante la integración de materiales no
convencionales a los que nos habían acostumbrado los franceses Jean Dubuffet y
Jean Faultrier en las décadas del cuarenta y cincuenta del siglo pasado.
Rivera
es de hecho un aprendiz incansable que adopta las pinceladas enérgicas, los chorreados
y las texturas informalistas con un claro apego por la vieja escuela. Sin embargo, su obra no planificada y
emotiva, no corresponde a la angustia existencial o la exploración de la
condición humana que caracterizó a los informalistas.
El
jurado escuetamente señala su logro al manejar “tan singular materialidad
que refiere al suelo, a la geografía y filiación con la naturaleza”. No importa que la obra se llamé el
“cocodrilo”, o que represente un informalismo tardío y un tanto trasnochado,
pero lo que resulta preocupante es que los “expertos” afirmen que la cromática
de esta obra “la eleva al pedestal que antes ocuparan las técnicas y
procesos artísticos tradicionales”. Esta atrevida aseveración es un insulto
a todos los artistas que con honestidad, profesionalismo y mérito han
incursionado en el informalismo en este país desde 1960.
"Epílogo", 2024-25. Técnica mixta/tela. Juan Carlos ZÚÑIGA VILLALOBOS. El
premio en la categoría bidimensional correspondió a Juan Carlos Zúñiga
Villalobos- conocido por sus investigaciones en la cerámica precolombina - por
su técnica mixta con acrílico sobre tela “Epílogo”. Según el
jurado el premio se le otorgó por “utilizar la técnica autóctona
del esgrafiado escultórico”, lo que obliga a una revisión histórica puntual.
El
esgrafiado (derivado del italiano “sgraffiare” que
significa rascar) tiene raíces milenarias, remontándose hasta el siglo IV A.
C., pero fue en la Edad Media cuando alcanzó su apogeo técnico. En este
período, en el mundo islámico, se destacó especialmente al decorar piezas del
servicio de mesa, así como cerámicas de almacenamiento. Como técnica
ornamental arquitectónica fue utilizada para la decoración de muros, tanto en
el exterior como en el interior de edificios. En la representación
bidimensional artistas como Klee, Rembrandt, y Goya usaron la técnica.
El
aporte de Zúñiga como investigador a partir del esgrafiado en cerámica en
Nicoya, busca que la “pintura evoque cerámica - con motivos
inspirados en lo precolombino- y, al mismo tiempo, que la cerámica parezca
pictórica”13. Esto ciertamente parece más logrado en
investigaciones realizadas entre el 2019 y el 2021 que bajó el concepto de “Abstracto”
mostró Zúñiga en la Galería 11-12.
Si
la pretensión del artista es que su arte sea universal, indistintamente de la
técnica desarrollada, su obra debería ser juzgada por sus méritos en términos
de calidad formal y conceptual, no solo por su técnica. La melancolía por un
pasado que ya no existe resulta contradictoria en un evento que pregona la
contemporaneidad. Zúñiga debe recibir
reconocimiento por su investigación, pero eso no lo hace arte, o es que “todo
se vale”.
"Just toys in the Gulf of America", 2024-25. Instalación. Victoria CABEZAS GREEN. El premio en la categoría tridimensional fue entregado a Victoria Cabezas Green por “Just toys in the gulf of America” una instalación claramente lúdica pero superficialmente crítica sobre conceptos políticos y culturales con que crecimos en los entornos universitarios de izquierda. Aunque Wikipedia la presenta como una artista visual y fotógrafa estadounidense que ha desarrollado su producción en Costa Rica, es claro que el jurado la considera legalmente costarricense.
He tenido la oportunidad de escribir sobre Cabezas desde 1985 cuando su medio predominante de expresión era aún la fotografía. Entonces producía composiciones inmutables y frías en una búsqueda oscilante entre lo existencial y lo onírico, de piernas e iconos televisivos femeninos, acentúa un contenido gratuito, sin drama.14
Luego pude revisitar su aporte experimental con su colorido “políptico” de 1973, que en nada me preparó para su inconsistente narrativa simbólica de “banano emplumado” del mismo año, un objeto tridimensional que parece más una humorada que el resultado de una seria investigación.15 De hecho, el tema ya había sido adelantado por Andy Warhol en 1967 en la portada de la banda de rock “Velvet underground”. Las primeras copias fabricadas del disco invitaban al propietario a «Peel slowly and see» (Pelarlo lentamente y ver). Al hacerlo, se mostraba un plátano de color carne absolutamente fálico.
En el presente escenario, el jurado se inclinó por celebrar con este nuevo premio – recibió también recientemente el Premio Nacional de Cultura 2024 por una retrospectiva - “un abordaje que fundamenta una obra consistente en su trayectoria”, por su recurrente uso del banano como símbolo de las “banana republics” y la bañera en que navegan como analogía del Golfo de México, recientemente rebautizado “de América” por Google.
La bañera ha sido utilizada como elemento central en instalaciones artísticas con fines artístico-políticos en numerosas ocasiones con distinto grado de éxito. Ejemplos famosos del uso de la bañera en instalaciones son “Eureka” (1993) realizada por Janine Antoni, nativa de Bahamas, que lleno una bañera de manteca de cerdo y luego creo un molde con su cuerpo desnudo en ella, “Flor” (2014) de Ai Weiwei instalada en el hospital de la prisión de Alcatraz donde se llena una bañera con miles de flores en contra del totalitarismo, "Fino equilibrio" (2018) de Brian Goggin en Petaluma, California, mostrando dos bañeras victorianas sobre zancos, y “Sumérgete en el baño del orgullo” (2023) concebida por la productora y fotógrafa inglesa, Laura McCann.
Una
instalación es tan buena como la capacidad y creatividad de su desarrollador.
En este sentido el aporte de Cabezas incumple con el sentido de especificidad
que debe tener una instalación efectiva ya que el contexto de exhibición es
neutral, tampoco fomenta la interacción o inmersión porque la seguridad impide
jugar con sus banano-botes eléctricos en la tina, ni logra integrarse al
espacio arquitectónico para crear conciencia. Es divertido, pero sin sentido.
Es fácil olvidar la obra cuando se pasa a otra sala.
"Cartografía de una diáspora", 2024-25. Latexgrafía sobre papel Gampi. Priscila ROMERO CUBERO. Finalmente,
el premio en la categoría “Otros Medios” fue concedido a Priscilla
Romero por la obra bidimensional “Cartografía de una diáspora”. Se
trata de una latexgrafía, una técnica de grabado y estampación desarrollada por
la costarricense y defendida en su tesis doctoral del 2021 en la Universidad
Politécnica de Valencia.
Romero
ha usado su técnica para replicar huellas de piel humana utilizando látex
natural, que luego se entintó e imprimió sobre papel Gampi japonés. El
resultado es una suerte de mapa compuesto por impresiones fragmentadas de piel
humana que simbolizan un tejido comunitario según su perspectiva.
El
jurado influido, probablemente, por el jurado Quirós Valverde brinda una
lectura “decolonialista” del trabajo de Romero. Esta corriente de
pensamiento y acción política busca superar las estructuras de poder y
conocimiento establecidas por el colonialismo y el imperialismo, especialmente
en América Latina y otras regiones que sufrieron la colonización. Si bien la
artista pretendía involucrar a las personas como parte de la creación en un
proceso colaborativo, el jurado vio la concreción de “un archivo en torno a
la piel humana”.
Como
obra visual, no estamos ante una deconstrucción de narrativas eurocéntricas ni
ante la exploración de perspectivas y epistemologías marginadas, particularmente
las relacionadas con pueblos indígenas y afrodescendientes. Resulta un tanto
acomodaticio restringir esta obra a un mero archivo o memoria, ya que basta no
ver el título para identificar cualidades estéticas en su collage gráfico de
estampas. Hay en Romero una habilidad
técnica envuelta en una poética visual aleatoria que justifica su selección, no
así su premiación. Es una investigadora que puede devenir en artista conforme
madure conceptualmente.
LA
PARADOJA DE LOS FRUTOS
No
me ocuparé de las restantes obras exhibidas en este salón algunas de las cuales
tienen méritos, pero sufren injustamente por su cercanía con las que han
obtenido con poco o nulo mérito “menciones” o “premios”. Pero,
deseo puntualizar tres observaciones finales:
A) A pesar de que es un evento sesgado desde la integración del jurado hasta su enfoque curatorial apologético del llamado “arte contemporáneo” y las técnicas no tradicionales, no deja de sorprender que las 50 obras exhibidas más de la mitad han sido realizadas respetando técnicas y modelos de representación tradicionales.
B) Se requieren jurados competentes, no solo curadores que coinciden en las mismas instituciones – no se debe ser juez y parte - y un espacio libre del control político para atraer a los creadores que completan el mundo de las artes visuales costarricenses.
C) La transformación del salón desde el 2019 en un “espacio seguro” mediante el patrocinio estatal de producciones “políticamente correctas” donde ninguna minoría se sienta ofendida puede operar en ámbitos universitarios y gubernamentales controlables, pero es inconveniente en el medio artístico, en general, a menos que decidamos volver a experimentar la depuración autoritaria de la derecha o de la izquierda.
Una
vez más, la complacencia ideológica ha gravitado, inexorable, sobre la
selección, premiación y exhibición en esta edición, confirmando la “sociedad de
facto” entre el MAC y el MADC que dominan no solo su jurado sino la construcción
de falsas narrativas (llámese lectura, fallo, o curaduría) para poder justificar
la inversión de más de 21 millones de colones que pagamos todos los costarricenses.
La
afiliación de signatarios a la agenda ideológica de moda continúa en el circuito
oficial mediante el posicionamiento de una producción sociocultural que parece
inmersa en un salón de espejos donde mutuamente se reflejan imágenes descontextualizadas
de la realidad.
Por
otra parte, el hecho de que el jurado tome en cuenta “la calidad del montaje…y
la interlocución de los contextos” en sus deliberaciones para alcanzar un
fallo resultan inaceptables por injustas como parámetros para una evaluación
final de las obras preseleccionadas, dado que en general la exhibición pública
evidencia una curaduría aséptica e inocua que intenta vanamente disimular la
pérdida de norte del evento.
Hoy
como hace dos años, es necesario demandar una confrontación estética tangible
entre diversas narrativas representativas del contexto nacional, quehacer
técnico y conceptual de artistas tanto veteranos como noveles en el SNAV. De otra
manera este seguirá siendo un terreno estéril para el fomento de las artes
visuales caracterizado por una participación melindrosa, un jurado sin independencia
y diversidad de criterios en un entorno crecientemente complaciente y banal.
Juan Carlos Flores Zúñiga, M.A., BSc, CPLC, AICA
Notas:
1. “Política Nacional de Derechos Culturales 2014-2023”
establecida mediante el Sistema Nacional de Protección y Promoción de Derechos
Culturales aprobado mediante el decreto Nº 38120-C del 17/12/2013 y el decreto
No 43132-C aprobado en la administración Alvarado que estableció el “Reglamento
para la Convocatoria, Celebración y Premiación del Salón Nacional de Artes
Visuales” que declara la inclusividad de todas las manifestaciones de
artes visuales tradicionales, modernas y contemporáneas, pero en su Artículo No
4 “respetuosa de la diversidad, velará porque toda postulación que pretenda
acceder a la exposición y premiación, no tenga dentro de sus contenidos,
objetivos o discursos que fomente el odio y/o la discriminación de las personas
por razones de etnia, raza, edad, religión, afiliación política, preferencia
deportiva, nacionalidad, género, orientación sexual o identidad de género o
cualquier otra condición social o personal”.
2. Flores Zúñiga, Juan Carlos (22 de julio, 2022). SALÓN
NACIONAL DE ARTES VISUALES 2019: Caos determinista. Ars Kriterion E-Zine. https://arskriterion.blogspot.com/2019/08/salon-nacional-2019-caos-determinista.html
3. Museo de Arte Costarricense (2025). SN 25. Impreso.
SN5. Salón Nacional de Artes Visuales. MAC, Sabana, San José. P.2
4. Flores Zúñiga, Juan Carlos (22 de julio, 2022). SALÓN
NACIONAL DE ARTES VISUALES 2022: Miedo a la Libertad. Ars Kriterion E-Zine. https://arskriterion.blogspot.com/2022/07/salon-nacional-de-artes-visuales-2022.html
5. Flores Zúñiga, Juan Carlos (30 de noviembre, 2018). CRÍTICA
DE ARTE: Haciendo una diferencia a la vez. Ars Kriterion E-Zine https://arskriterion.blogspot.com/2018/11/critica-de-arte-haciendo-una-diferencia.html
6. Museo de Arte y Diseño Contemporáneo. 8/07/2024.
Boletín. https://www.madc.cr/index.php/es/node/2071
7. Flores Zúñiga, Juan Carlos (10 de setiembre, 2022). Crítica
al Salón Costarricense de Artes Visuales 2021-2022. Revista MEER Internacional.
https://www.meer.com/es/70687-critica-al-salon-costarricense-de-artes-visuales-2021-2022
8. Costa Rica, Museo de Arte Costarricense. (2024, 6 de
diciembre). Acta No 1 del Jurado Salón Nacional de Artes Visuales 2025.
9. Kuspit, Donald, 2006. "El fin del arte". Ediciones Akal
10. Goldstein, R.
JUST SAY NOH: THE ESTHETICS OF BANALITY. Art Forum January 1988. Volumen
26, No. 5. P.81. https://www.artforum.com/features/jusy-say-noh-the-esthetics-of-banality-205822/
11. Ibid. P. 81
12. Baudrillard, Jean (2006) El complot del arte: ilusión
y desilusión estéticas. Amorrortu Editores, Buenos Aires, Argentina.
13. Ortiz Cubero, Laura. (2 de julio, 2025). Tres perspectivas ganadoras. UNA Comunica,
Heredia. https://www.unacomunica.una.ac.cr/index.php/julio-2025/6207-tres-perspectivas-ganadoras
14. Flores Zúñiga, Juan Carlos (16 de julio, 1985).
COLECTIVA PROFESORES UCR: Confrontación para Oficio y Academia. Ars Kriterion E-Zine. https://arskriterion.blogspot.com/1985/07/colectiva-profesores-ucr-confrontacion.html
15. Flores Zúñiga, Juan Carlos (1 de noviembre, 2019). ARTES
VISUALES DE LOS 70s: Violenta nostalgia. Ars Kriterion E-Zine. https://arskriterion.blogspot.com/2019/11/artes-visuales-de-los-70s-violenta.html
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